📝📝：音樂哪裡是用聽的？
從上述兩個版本的《The Sound of Silence》可以發現 Simon & Garfunkel 的紐約中央公園側錄的影帶（1981）並沒有這麼強烈的鏡頭語言，或者你可以說，畫面看起來挺單調且無聊，只是透過鏡頭記錄演唱會。然而，在王晰、李琦、鞠红川，三人所演唱的版本中，畫面的飽和度、畫質都比 Simon & Garfunkel 的側錄高出許多。當然，也多了許多以視覺為重的鏡頭語言。
從畫面一開始鏡頭由遠處開始逐漸向舞台中央拉近，接連兩個蒙太奇帶出背後的演奏團隊，最後三位歌手以淡入（fade in）粉墨登場；其中，不乏出現同一位歌手以不同角度拍攝剪接，以淡入與淡出（fade in & fade out）拼接成演唱片段。
在以下鏡頭焦距的漸變可以發現由左至右逐漸清晰（來源：YouTube）
三位歌手以拼接的特效同時登場（來源：YouTube）
這些只是出現在主角的鏡頭，該片段同時也有分配鏡頭給場外的觀眾。從 0:47 開始，畫面開始捕捉到後台歌手聽得如痴如醉的神情，甚至露出驚嘆裡夾雜佩服的眼神。
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試想一個問題就好：這樣的畫面細膩度是如何可能的？
從媒介的角度切入，也許能發現箇中的原理。
同樣是聽音樂，在現場聽跟在網路上聽有什麼不一樣嗎？我們首先最能察覺到的便是場域的不同。在現場聽音樂極度容易受到空間的牽製，如同管絃樂就是必須在音樂廳內演奏，若是搬出室外，樂曲演奏的震撼度反而會因為空間的開放性而下降。然而，同樣的樂曲若是搬到網路上，空間的臨場感反而因此消失了，只剩下電腦的外接音響或是手機的藍芽耳機。換言之，網路無法複製音樂廳這個場域的空間感，不過，網路能做到的反而是鏡頭語言的疊加。
事實上，從音樂廳過渡到網路，音樂的內容從聽覺主導走向視覺主導。音樂就是在聽覺過渡到視覺的環節上，讓音樂本身不只用耳朵聽還要用眼睛看。那麼，這樣的差異又是如何可能的？我認為導演吳念真給出了精湛的回答
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